ARTES

This comparison of the works of Monet and Rothko provides exhilarating new insight on these pioneers of abstraction and masters of color. Recent research on late impressionism has highlighted the surprising correspondences between the work of impressionist paragon Claude Monet and that of abstract painters such as Mark Rothko. This book offers an unprecedented dialogue between the paintings of Monet and Rothko, two artists who explored the frontiers of abstraction. It explores the uncanny similarities between their works, painted almost half a century apart, as well as the significance of the differences between the master artists’ styles. Monet conveyed the immediacy of his impressions of nature, while Rothko plunged the viewer into the depths of colors that he superimposed and interwove. And yet this book—originally conceived to accompany an exhibition at the Musée des Impressionnismes Giverny and illustrated with sixty chromatically organized reproductions—reveals an undeniable relationship between their pictorial universes, challenging the viewer’s perception of abstraction and modernity. This confrontation, contextualized through the analysis of renowned critics, sheds new light on the oeuvre of two of the greatest masters of painting and offers fresh insight into the essence of what makes their works so inherently original.

During the pivotal years between the world wars, Surrealist artists on both sides of the Atlantic responded through their works to the rise of Hitler and the spread of Fascism in Europe, resulting in a period of surprising brilliance and fertility. Monstrosities in the real world bred monsters in paintings and sculpture, on film, and in the pages of journals and artists' books. Despite the political and personal turmoil brought on by the Spanish Civil War and World War II, avant-garde artists in Europe and those who sought refuge in the United States pushed themselves to create some of the most potent and striking images of the Surrealist movement. Trailblazing essays by four experts in the field trace the experimental and international extent of Surrealist art during these years--and, perhaps most unexpectedly of all, its irrepressible beauty.

Miedo, pero fascinación; espanto, pero atracción. Nuestra relación con los monstruos es dual y contradictoria desde el inicio de los tiempos y precisamente por eso tantos artistas decidieron plasmar sus peores pesadillas y las causas de tanto horror en innumerables obras. Algunas de las más emblemáticas y oscuras están dentro de este libro. Pasar las páginas de este libro es un acto de valor, aunque todos sabemos lo seductor que puede ser el peligro.

This volume celebrates the 10th anniversary of Museo Jumex, Mexico City’s most important contemporary art museum, and its unique collection. Located in the vibrant Polanco neighborhood of Mexico City, Museo Jumex opened its doors to the public in 2013 as a one-of-a-kind museum devoted to the production and discussion of contemporary art. Founded by Eugenio López Alonso, a pioneer in the realm of contemporary art collecting in Mexico, and designed by Sir David Chipperfield, 2023 winner of the Pritzker Architecture award, Museo Jumex has achieved international recognition for its dual mission of bringing works of renowned international artists to Mexico for the first time and elevating the work of today’s Mexican and Latin American artists.

Descubra la música que se atrevió a ser diferente, que puso reputaciones y carreras en peligro, que provocó fascinación e interés en unos, y rechazo y menosprecio en otros. Eso es lo que ocurre cuando se rompe con la tradición. Un repaso a las historias de 50 álbumes, canciones y actuaciones que hicieron tambalear el mundo de la música contemporánea, con fascinantes relatos sobre su creación, su recepción y su legado. De George Gershwin y John Cage a Os Mutantes y Fela Kuti; de Patti Smith y The Slits a Public Enemy y Missy Elliott: al tratar cada entrada en el contexto de su creación, y acompañar así a las historias que rodean a la música más fascinante jamás producida, se entiende el por qué cada momento fue decisivo.

Puede que la mayor tragedia en el campo del cine de la inveterada costumbre española de vivir de espaldas a Portugal haya sido el escaso interés por una de las personalidades más destacadas de la cinefilia del siglo XX, João Bénard da Costa, quien desde la Gulbenkian primero y, especialmente luego, como factótum de la Cinemateca transformaría para siempre la cultura cinematográfica de su país, en sintonía con la revolución moderna de Langlois en Francia. Así, como su maestro, pensó la programación de cine como una bella arte, en parte juego intelectual, en parte fuente de iluminaciones y transmisión de conocimiento: la puesta en contigüidad de películas e ideas que establecen linajes, dialécticas o extravíos rizomáticos donde se abolen las jerarquías entre alta y baja cultura. Para contagiar el entusiasmo por el cine, además de amarlo hubo que defenderlo, y nadie como Bénard da Costa lo hizo, con cientos de textos, hojas de espectador, libros y artículos en periódicos como estos que publicara en O Independente entre 1989 y 1990 y que conforman la base de Muy de la casa, exquisita colección de mini-biografías de actores y actrices considerados como de la familia.